使用傳統底片的年代，為掌握影像顏色，一個是控制燈具，另一方法是使用色溫調整形瀘色片，只有這兩種方式可以做「偏色」做有效改善。有人說：還有其他辦法。沒錯，所以彩色底片不但分成正片和負片，正片又分成日光型和燈光型，燈光片又細分為A型和B型。

今日，數位拍照完全取代軟片，同一片記憶卡，既可拍彩色又可臨時改為拍黑白，ISO也可隨時調整，但萬變不離其宗，它仍須有一個「絕對性的標準」存在，才能控制顏色。

數位相機為了拍出好色彩，它就創造出「白平衡」的功能，讓相機知道什麼是「白色」，這種白是以5500度K為標準值，色溫太高會偏藍綠，色溫太低會偏黃紅，只有中午時段的標準陽光，才是標準白。

有了標準，就可分析光的三原色，從白的日光，抓出「色」的品質。當你在不同光源底下拍照，數位相機的白平衡功能就可替你追尋最好的色彩，可惜很多人不懂得善用白平衡。有些人，則是懶得操作它的拍攝模式，只放在自動白平衡就置之不理。

人工光源除了色溫問題，它的本性又分成連續光和非連續光。太陽光是綿延不斷的連續光，閃光燈一閃即逝是標準的瞬間光，有人稱它是光線的暴力者，雖只短暫一閃，但很刺眼。所拍得的影像，往往是前白後黑，白的很白，黑的又很暗，無論如何都稱不上是好照片。

白天的拍照者，可屢有佳作，但換了環境，必須藉助閃光燈時，卻又束手無策。為了解決此一問題，建議拍照時勤做筆記，將拍照時的環境，被攝者與相機的距離記下，多拍多檢討，自可改善。

使用單眼數位相機者，建議1、用ISO400  2、用M，以人工手調設定操作值 3、採用能跟相機直接溝通的TTL型閃光燈  4、不熟悉之前，先用直接光拍攝，等得心應手，再打跳燈，追求更柔的折射光。

循序漸進，是挫折最少的學習方式，願人人無障礙，時時有佳作，這才是攝影快樂的泉源。

以不對的東西做標準，你要有自知之明，才不會誤入歧途。曾有色偏的人，去洗照片，洗成的他總不滿意，他認為好的顏色，別人看來就是怪，最後才知道他的視覺神經出毛病。

數位相機背後的小螢幕，目前的色彩表現仍停在五、六十萬像素，用它來看數百萬像素所拍的影像，要精確無誤就得具備功力，會不會解讀，除了色彩、反差、明暗之外，更難一眼看透的是「震動」。

小照片，郵票、名片大小的尺寸，無論如何看都漂亮，但放大成8吋x10吋，該有的缺點，幾乎無所匿，但优點也會被彰顯。決心拍出好照片的「人」，務必注意各細節，才能完成心願。

細節就像魔鬼，總躲在你不注意的地方。像我目前正在學打太極，自己練，因很多「關鍵點」沒有觀到，因而打起來既不累又不出汗。老師在場指導，同樣的招式，同樣的時間長度，就可讓人累得不想說話。

功力，必須一點一滴培養，醫生也是學前人的經驗，再加自己的付出，而成就口碑。好醫生，不是天生的；好手藝，也是苦練的結果。沒有付出就無所得，天公地道，取巧絕不會長久。

大家多說台灣社會無是非，日常生活中，可証之例極多，尤其政治圈最可怕。那麼該如何確立「標準」呢？先不管別人，就從拍照著手吧！你若認為你對是非黑白很有認知，也有控制能力，那就多準備一些鉛筆，從H到6B各一枝，畫一畫黑白色階。

從純黑到純白，各階緊鄰而立，每階皆很清楚可以分辨彼此不同。以此為標準，你可以畫出幾階段？認知和執行合而為一，功力自然精進。

古典拍照者強調：1、正確的曝光，2、絕佳的快門机會。更精細的講，就是精準的區域曝光法，以求得到照片最多層次和色階。快門機會則是照片動人的泉源。再次才是相機的穩定度。

善於拍照者受制於三腳架，是求穩的法寶，唯有三腳架才能助你用低速快門拍照，而所得的影像不會模糊不清。再來是清楚的聚焦，焦點準，照片就清、就明，進一步才能談景深。

景深是影像清晰範圍的厚度，例如四、五排人的大合照，若厚度不夠，就會某些排的人物被拍清楚，另些排的人物被景深不足模糊掉，如此拍照，不被罵，才怪。數位相機因鏡頭設計精巧、小型化，大多景深極長，但到了「大砲」那一級的長鏡頭，用在拍「鳥」照片時，稍不慎就會出錯。

談到拍「鳥、人」，最注重快門機會，也就是決定性的瞬間，那是不可能再重來的。決定性的瞬間是：拍照者必須預判事情的發展，在影像元素發展、移動至最佳位置那一剎那，按下快門。

按下快門那一刻，攝影者必須先有內心的感動，並清楚知道那張照片不論構圖、曝光、景深、人物表情和角度，皆已處在極好的狀況，唯如是，剎那才能變永恆，否則照片儘管多如山積，但仍無傑作可言。

一槍斃命式的拍照，絕少事後加工，勝負決定於拍攝者的功力，就像劍出鞘，瞬間已人頭落地，不如此陣亡就是自己。以一輩子論，攝影家的傑作少於晝家，因為攝影受制於外在時空；畫家只要功力足，就可創這時空。先天因素決定了職業攝影人的命運，不可不知。

以娛樂論拍照，廿一世紀絕對好玩，拜電腦科技之賜，連手機也可做到八百萬像素，更附有小閃光燈，除了鏡頭仍不足外，它已是五臟俱全。在工具不斷精進的日子，人的技藝修養，豈可落後太多？

知道美，才有可能拍出美的照片。學，然後知不足；不足就知道謙虛，虛掉既有的己見，進步空間就會出現。若能体認「決定性的瞬間」是拍照的極至，那麼你已成師了。

受邀去台北城西扶輪社，為他們拍授証晚宴，坦白說：拍餐宴的照片，是年輕人的工作，那是很好的磨練機會，叫你在紛雜而快速變動的人群中，選取適當的鏡頭，通常這種場合拍得的照片，絕對不會很好。也就是說師傅、徒弟、新手，彼此的成果差不多，因而有經驗者避之唯恐不及，深怕壞了名聲。

有時礙於人情，偶而也得硬著頭皮去做。十幾年，有位年輕人專拍扶輪社的各種活動，他以低價勤奮工作，終於認識很多人，然後有大老闆或公司也請他去拍，甚至接到「全家福」、「壽宴」、「肖像」等高價工作，這是結合人際關係而成的工作，但我懷疑他的創作能力。

拍照，是有層次的創意服務，就像律師一樣，結果好壞，差別極大。可惜，台灣尚未累積出，肯為創意服務付合理費用的環境。純以商場價格互比，所以台灣很難養出好的攝影師。大師級人物，不論他從事那一類工作，絕少肯為三斗米折腰，除非另有目的。

拍照過程，我戰戰競競全力以赴，深怕一世英名毀於一次。使用數位單眼相機，我總覺得好像缺少了一點東西，就像開自排車一樣，沒有手排車得經常換檔的爽快感。現在數位相機，有其优點，例如變焦鏡頭，做得十分精巧，懶人用來非常方便。昔日，我偏愛單焦鏡頭，每次拍照就得準備四支鏡頭、兩個機身，這樣拍雖累，但很過癮。

再說自動對焦，它幫了很多「老人」，老眼昏花不易對焦，在攝影上這是天敵，拜科技之賜，天敵消失了。可是，我恨它不夠快、不夠準，不能隨著我的心意飛馳。大容量記憶卡，更是大爽事，用8G拍大檔，一片可拍近四百張，ISO又可隨時轉換，以前那敢奢望有此方便。

但現在拍照，有現代人的苦。例如：以前拍完照，攝影師就涼了！底片沖放、修改顏色、調整色階，都另有師傅專業分工，你只等成果出來再檢定滿不滿意即可。現在，拍後的整修，全部靠攝影師一人，也就是說：攝影師工作倍增，但所得反而降低。

拍照是容易事，所以低薪合理；但要拍出好照片，很難。可惜能解決難事的高手，卻也沒有好報酬，台灣要在美學上有成就，尚得跨越此鴻溝。培養懂得欣賞的能力，且願意為好作品付出代價，我是如此期待。

數位相機不論那個機種，它永遠是精密机器，只因太普及了，而被消費者輕忽。數位相机可以自動對焦，可以自動曝光，可以自動設定色溫，可以自動調整ISO，具備這樣優秀的功能，在二十年前是不可想像的。

因優秀而普及，因普及而不被重視，人性總是如此，不必奇怪，只要面對問題解決問題即可。通常，相機出毛病，第一項緊急動作是斷電，先讓「心臟」停止跳動，然後再找可能的原因。

電，是現代化產品的動能，沒有它，電腦再猛也沒有用，數位相機也是，因為它的「本尊」就是由微電腦和軟体組成。先停止供電，可以讓儲存在記憶体內的「記憶」消失，就像電腦當機一樣。

完成第一項工作之後，就是檢查各項操作，看電源能否順利開關？對焦功能是否很舊？曝光是不是能準確進行？一切都沒有問題，再檢查記憶卡，有時候，記憶卡因含病毒或毀損，致使相機無法運作。

出門拍照，多帶一片記憶卡是必要的，它体積小，又輕，不像電池或機体。總之，多準備少損失是定理，一般人拍照，不是「使命必達」，可以悠哉～悠哉以對，但職業工作者就不同了。

除了攜帶備品之外，因消費型數位相機越做越小，雖有防震功能的設計，但總被粗心的使用者「廢損」，所以拍得的照片，常不夠清晰。引起照片不夠清晰的主因有二，一為對焦不準；二為相機震動。

照片品質不好，千萬不要怪您的相機，先從對焦和防震做起，自然可大大改善。相機「死當」，則是斷電优先，檢查記憶卡其次，再不然，就送醫。拿穩它，就從現在起。

拍出好照片，才是大享受！相機出問題不必急，最好隨身攜帶說明書，更好是熟記操作規範，將相機的一切印在腦海，進而成為身体的一部份。

昔日，拍照第一難是測光，偏偏「測光儀器」都很貴，附在相機內的TTL測光模式尚未普及，因此，學拍照的第一件事就是要懂得看「光」，對光線的強弱，反差對此的了解，然後才能準確曝光，讓光線「適量的」進到底片。

第二難是對焦，利用鏡頭將焦點聚集在最主要的地方，以免照片因對焦不準而模糊。第三、控制景深長短，讓該清晰的範圍，滿足需求，過猶不及皆非好事。第四、確實穩定相機，避免震動，防止因震動帶來的影像模糊。

以上訓練都是基本功，只為了得到「好品質」，沒有好品質一切皆枉然。循序漸進的模索，不斷踢鐵板，在慘痛教訓下，「學者」自然而珍惜每次的按快門，企圖多拍再以量取勝，終究得不償失。

散彈打鳥，射再多子彈，仍不敵神槍手的彈無虛發，「數位時代」的拍照悲劇，就是傭懶的猛按快門，再從相機的「小眼睛」觀察影像。古時候是先觀察影像，它能感動你，你才按快門。這種比較，你就了解倒行逆施的後果。

數位相机背後的螢幕，稱它為「小眼睛」是因為它太不準確，它能呈現的色素只有三、四十萬，供參考尚可，但不足為信。況且那麼小的螢幕，細節很難清楚，在室外遇強光，看的困難度更高。

以前，拍照靠底片，ISO是固定的，不像現在，感光度可以隨著拍照環境任意調整。同時，既可拍彩色的又可拍黑白，遇到難搞的大反差，更可用兩張疊片的方式，得到最好的補救。

例如：人坐室內窗台邊，欣賞外面的好景色，此際要將室內的人和室外的景，同時適度曝光，以前這種功夫叫「室內、室外光線平衡」，難度很高。現在的數位影像卻能輕易解決。時代不同，讓老人有說故事的机會，但拍照的基本功，卻沒有改變多少。

知其所以然；行其必然，任何時空都是「原理」，所以將照片拍清楚，讓最多的細節和質感呈現，永遠不會變。基礎打好之後，再上一層就是追求構圖之美，再進則是意境之美。

拍照，最難的在打光，老人、小孩各有不同的光線表達方式；男生、女生也有剛柔之別；胖、廋，更要有差異；進者，以光線刻劃被攝者的個性，不足，再補以化妝。總之，昔日拍照以攝影師的專業為主，但911推翻了「攝影師」在攝影表現上的地位。

如今拍証件照，首重「正面平光」，不能有陰陽差展現的立体感；兩耳、兩眉必須裸露，臉部須自然而無表情，微笑、露齒都在禁止之列，背景也一律規定為純白。在這些條件限制下，拍照已變成拷貝、翻攝、複印，攝影師成為幫你看頭、看尾的按鈕者。因此，照片拍「不好」，完全跟攝影師無關。

面對主權轉移，消費者必須自己擔起照片拍不好的責任。何況現在拍照，又是拍後立即挑片，被攝者可從電腦螢幕，挑自己認可的影像，攝影師只是旁觀者。不論從那個觀點分析，証件照「攝影師」已死。

「投幣拍照」的機器，也逐漸找到立足點，因為主觀的選擇，取代了藝術成份。那麼，大頭照該怎麼拍才好？好，是將平淡無味的影像，創造出自己主觀可以接受的空間，自己已成為主角，就得認清自己的角色扮演。

演好主角，下列因素很重要，不可不知。

第一，因背景是純白色，所以被拍的人，最好穿深色系衣服或花色或亮麗色較佳，頭髮已完全翻白者，最好是染髮再拍，避免跟背景白重疊。

第二，選擇自己最佳的拍照時段，因每個人神氣最旺的時辰，受生理時鐘控制，有人適合早上拍；有人中午最神清氣爽；有人必須月亮升起才有精神，不了解自己，就難拍得好照片。

第三，拍照前一天，記得吃好、睡好，不要喝水喝到浮腫寫在臉上。黑眼圈雖然可修整，眼袋也可以淡化，但總不是「原始」的好。以買菜為例，原始食材若不夠好，就很難燒出好菜。

第四，較不重要，卻也有影響，就是挑一處跟你氣場相合的地方拍照，店家和你若很有默契，又會引導你放鬆拍照的心，那麼自然水到渠成。

 

嚴格說來，所有影像被拍成照片時，即與事實割離，從連續狀變成切片模式，所以說：「照片是以偏概全的產物」。再說，顏色、色階、明暗對比、氣氛、氣勢、情狀，那些原素會跟現場完全一樣？

以失真的影像說它是真，是很不得已的，頂多我們只能承認它不「假」，但不假是真嗎？以攝影藝術而論，作者必須從頭包到尾，一切掌控在「本尊」手中，才會有身價。否則，即使是同一張底片放出來的影像，在市場上仍是身價有別。

影像的價值何在？從很多層面分析，娛樂是大宗，只用來做紀念，好玩重於一切，也不牽扯他人，純主觀的揮灑，只要高興就可以。但用來當証据的影像，豈可造假亂真？

以影像當証据，不是不可行，但要「良心」，依道德而行，再配以法律規範，佐以科學論証，讓細節支撐你的論點。底片時代，我們要求看整卷底片，依拍照的先後串出事實真貌，絕不以單張照片推論真人為。

數位時代，照片極易合成造假，很多科幻電影，就是電腦、人腦共同的傑作。沒有創意和科技，人類就沒有超完美的影像，視覺震撼是這個時代才有的產物，為了效果，那能不假？

判斷數位檔案有無竄改，最簡單的方法是拆解光源方向，或人物方向、角度是否合乎常情。更細，得詳查接縫，再不斷放大影像，讓構成影像的單位圖形，為馬賽克狀的長方形，而非點狀。人工方法行不通之後，才交給電腦用衍算法去推算，找出不同的像數結構和密度。

當現實什麼都可以假的時候，假照片也不稀奇，精采的是學會不被騙，或坦然接受被「愚樂」。只要懂得影像，真有真樂，假有假樂。人也一樣，真人、假人都是人，能分辨，是智；不能分辨，非愚。

真假根本不是問題。