攝影人，為了拍得好照片，進進退退是他們的常態。多少人能將這種本能，轉向應用於人生路上，我常說：要在股市賺錢很簡單，抓住進退的時間點即可。然而，真正因此而賺到財富的，有幾人？

懂得進退之道，事情就會往好的方向走。政治人，常說：上臺靠机會，下臺靠智慧。這也是進退而已。共產党打游擊時，也常用敵進我退；敵退我進的策略。畢竟每個人所處的位皆不同，戰術應用也會跟著變。

今晚，英浩之友例行讀書會，此攝影團體已有十幾年歷史，但讀書會剛進行半年，大家以藝術、美學、哲思為選書範圍，希望將拍照的思考訓練，移植到日常生活中。

閒聊時，我們互相詢問「您為什麼要學拍照？集體外拍，可訓練出何種能力？」每個人加入社團總有自己的理由，但我們更在乎「你學得了什麼？或帶給你什麼好處？」

很多人都知道，拍照最易學到簡單，唯簡單可以化複雜為單純，單純主題才易顯現。但過於簡單，會出現單調、枯寂，負面的作用該如何化解，又成了另一種考驗。

人，總是不斷的製造問題，然後費心去解決，然後又製造再解決。人生，真的這麼傭俗、愚蠢？我們總該會在不斷重複循環中精進吧？拍照不是總叫人要去突破嗎？

突破什麼？創新什麼？進一步，也許是粉身碎骨；退一步，也許可以海闊天空。該進不進；不該進卻進，股市凡人不都是如此嗎？但美國華爾街那群精英不是很聰明嗎？怎會搞出次級房貸的大泡沫呢？

原來進退是大難題。當我們拍照的時候，不要忘了進退之外，尚有左右上下，甚至正反。為人處世，當然不可只進不退，不知上下有序，左右相稱。妙，就妙在誰也不知道答案。

拍照若有答案，就不會好玩；人生若也有答案，日子就將無趣。攝影原來求的就是自在，如此而已。

鏡頭用來拍照，可操控的部份極少，頂多只是用來控制光線流量的光圈。光圈的數字越大，孔隙越小，光線進到感光元件的量越少。小光圈，最大的好處是景深長，可將景物拍清楚的縱深遠。

鏡頭，分定焦鏡與變焦鏡，焦距短的，叫廣角鏡頭。它的視角廣，可拍的範圍大；焦距長的叫長鏡頭，可將遠方景物拉到眼前，拍野生動物、拍小鳥、拍體育類照片，非它莫屬。

定焦鏡頭的好處是：構造比較簡單，光學難題比較容易克服，品質較高。但它的缺點，像老花眼，只能看清一定的範圍。變焦鏡頭，則像年輕人的眼睛，看遠、看近處處宜。

老年人，經常要準備很多付眼鏡，焦距各異，看書、看電腦、看電視各需一種眼鏡，極像單焦鏡頭，用起來挺麻煩的。變焦鏡則是拍遠、拍近隨心所欲。眼鏡店強力推銷的多焦點鏡片，就是變焦鏡頭的化身。

鏡頭價格，受兩大因素影響：一是鏡片材質，它可分為頂級光學玻璃、高級合成樹脂、強化塑膠三大類。二是光圈大小，光圈越大，價格越貴，尤其是大光圈長鏡頭，往往只差一格光圈，價差達一倍。

另外，鏡片的研磨技術、廠牌，以及組成結構，都會影響價格。例如非球面鏡的價格會變高，塗膜、燻膜也有差異。花最少錢，買就合用的東西，以知識為支撐，有知織，才能判斷。

每顆鏡頭都有它的特性，玩家會自己去比較，動手測試，或去找值得信的測試報告。一般人，對相機的要求，只要價格合宜，款式喜歡就可以了。因消費型机種的性能、品質相差不大。

了解眼睛和鏡頭的異同，是拍照首部曲。眼睛，連著腦袋；鏡頭無情無慾，兩有異，其內有同。聰明人，先做知己知彼的功夫吧！

人，肚子餓，會想辦法找吃的，以便能活下去。所以，飯不能不吃。但攝影不拍，仍可活得不錯，那為什麼要拍？

拍照的慾望，因何而存？它的作用是什麼？目的又是什麼？拍照，像呼吸嗎？天生本俱嗎？好像都不是。

很多人學拍照，學得高興；但不學也可以活得高興，其間的差別何在？拍與不拍有何不同？拍照，做為一門功課，必有使命，此使命為何？

拍照，若只做為記錄時間切片的工具，那麼只要會按快門即可，又何必大費周章的學攝影？大學設攝影學系，豈不更荒謬？

存在，必有道理。拍照，道理何在？滿足心理上的需求，或許是主要原因吧！攝影的延伸，叫視覺傳播。就像欣賞帥哥、美女，可以得到某種滿足。或是可以將異國情調，藉助相機的記錄，帶回自己的生活圈，告訴眾人：有圖為証。

那麼，廣告攝影的本質是什麼呢？它與單純的「記錄照」有何不同？兩者相較，發現它既可是作創作工具，又有記錄之外的功能。

還有更多未知的因素存在嗎？對這些因素的理解，又因人而異嗎？當攝影的「寫真」功能，遇到數位篡改，它的記錄功能就被顛覆了，它已非「照像」，而是踏入另一境界。

拍照跟美的關係，又是如何？攝影做為工具，跟文字書寫一樣嗎？會寫字就會作文嗎？會作文就是作家嗎？攝影是具像，還是抽像？或，它只是好玩的工具，別無其他意義。

從根本上思考，找出自己拍照的理由，拍照了的目的，你就會很清楚自己走的路。目的不同，走的方向就會不一樣。有方向，按快門就會更謹慎，只有令你感動的影，你才會覺得有意義，盲拍才會遠離。

創造有意義的影像，是學習拍照的第一步，然後再加進美的元素，或獨具慧眼的創見。見別人所未見的先機，並給出意義，進而影響別人，攝影的路，才能走得長久。

透過攝影，訓練找尋先機的能力，以豐富生活，滿足自己。這項功能是拍照獨具的特性，所以眾人迷戀拍照是有道理的。

小孩長大，自有天地，父母的責任，日漸減輕，到學校找他，僅是藉口。既然同老婆一起，免不了就要拍些照片。久未執刀，拍的感覺全然鈍化，但該直截反應的要素，依舊在血裏奔流。

下午五點才出門，此時的光線，反差已降至最低，對拍攝人像反而有利。只是慢快門必須非常謹慎，以免相機震動引起照片模糊。我拍，當然是用RAW檔，以便事後調整、修色。

修色，最好是用經過校正的CRT螢幕，才有標準依据。可惜，我亳無標準依据可循，最後憑直覺調「色溫」，結局當然只有淒慘二字。色溫，大家已較有認知，控管顏色另有「色域空間」必須一致，否則就會雞同鴨講，做出有色照片。

照片只有顏色，而非原景、原色重現，說來可悲，但一般消費者卻能接受。沖洗店因此造成反淘汰，劣幣驅良幣是價格競爭下的罪惡，拍照者要懂「色」，才會挑沖洗店，不讓自己的好照片，變成次級品，唯自我要求而已。

拍照，是修煉之旅。它是一串因子結合而成的平面影像，將立體世界轉換為平面，且要安排景物原素的位置，你須知道鏡頭的特性、光影作用以及顏色，當這一切都被看得順眼，自然會出現好照片。

隨時幫家人拍照，隨地拍你所見景物，多年之後，你會驚覺自己活得多麼豐富。尤其老年時，影像賜給你的，將是金錢買不到的報償。好好去拍吧！四季如春的台灣，細觀仍是季季分明。

感覺鈍化，只因不用心，用相機幫你找回來吧！拍照，真的好好玩。

其實，拍照最方便的地方，是我們生活的四週，這空間你最熟悉，時間也最方便，只要抓住相機就可悠遊其間。時、空是拍照的絕對條件，加上人，就算是掌握到天時、地利、人和了。

人，是視覺性動物，對身處的環境只要熟悉，就會視若無睹，即使好景當前，也會被當成毫不稀奇。視覺疲乏是讓人安心過活的本能，只有面對陌生環境，人才會提高警覺，仔細觀察。所以，常人誤以為必須遠行，才拍得到好照片。

拍照，是要在平凡中找奇遇，從現實中擷取影像，用的是減法，讓影像之美展現，在你熟悉的環境下拍照，你就可以很悠閒的組織景物，即使不夠好，隨時可重來，再三的重複對同一景物用功，自然可拍到傑出的照片。

即使拍人物，你也是可以從容的執行，不怕對方排斥，更可今天拍、明天拍、天天拍，拍到別人一點也不認為你在拍，此刻得到的人物照，全部都是天真、自然，這樣的人像照片，絕對比去相館拍的好。

所以，拍照者必須先具備足夠的技巧，然後隨所欲的應用。音樂家為什麼必須不斷的演練技巧？為的就是要讓身体上的細胞記住「刻意訓來出來的自然反應」，這種能力已經脫離大腦的指揮，遇到情境就會自然反應，擁有這種能力的，拍照才能心神合一。

帶著相机，隨時隨地的拍，不斷的拍，久而久之，必定有好成果。想像中，隨時隨也拍，好像很簡單，其實不簡單。用平凡換偉大，有幾個人做到？

民俗攝影家黃丁盛，他拍照必定是隨順因緣。他認為：強求而不得，路就會走不遠。他說保握當下，將當時的景況拍到最美，即可無憾。抱此態度，走了近三十年，累積出的成果，讓他成為一方之霸，別人無可取代。

拍照，絕大多數時候必須隨順因緣，尤其旅人。旅人因條件欠缺，總是匆匆趕路，所以拍照的功夫更應紮實。唯有硬底子，才能逆來順變，當機立斷。多拍是一種方法，但不是好方法。

拍照，是觀察力的呈現，拍的時候，看不到，就拍不出，這是大原則。想用違反大原則的方法，求得好照片，很難。除非，事後整理照片時，有高手協助，幫你撈出好魚，否則，拍了也是白拍，因為你根本不知道：那是一張好照片。

拍照，自己必須先搞清楚方向，先自我挑戰、並找出自我滿足的拍法，它與接受委託的拍法，有很大的差異。跟創作手法，也很不同。每個拍照者，多得先確認自己最終目的，努力才會得到報償。

儘管時代已非常數位，然而黃丁盛仍堅持拍幻燈片，因為他非常清楚自己的方向。他說：「拍正片，是我的風格，按下快門那一剎那，影像的格已定。事後，靠修膳取勝的數位，仍未打動我心」。

每個人都要有自己的堅持，堅持來自智慧的判斷。要學攝影，先培養獨立的心，和敏銳的觀察力，它才是真正的根源。二十幾年前，當黃丁盛選定拍民俗廟會時，此題材是絕對冷門，那料到隨著解嚴，本土意識猛然恢復生機，不但不被打壓，更得到各方的提倡，一夕爆紅。

機會來臨時，只有準備好的人，才得以豊收。我所認識的黃丁盛，其成就定在百年之後，成為歷史才會彰顯價值。目前，他仍努力耕耘中，想認識他，就找書來讀吧！

                                                                  97.3.5中興扶輪社演講補充資料

隨後，我一直在思考：林聲拍照，提供想法，後製是另一人，這跟傳統創作，極不同。這樣的改變，有沒有影響藝術的本質？日本當紅的藝術家村上隆，不也是利用團隊創作嗎？

另一個問題：技與藝的分野，何在？著作權和財產權如何共享？畢竟，沒有發想就沒有原創價值。但缺技，藝就無法彰顯，合作雖方便，但創作者全部自己來，不會更好嗎？

另一個問題：靈與肉誰是主人？林聲說：腦袋裏的無形東西厲害呢？還是脖子上的肉殼？沒有思想，光有腦袋，何用？光有想法，不會做，何用？會想、會做，卻不想動，何用？

活著，問題很多，藝術家又想得更多。扯到靈與肉，該是哲學問題，但林聲卻將它納入攝影範圍。自找麻煩是藝術創作者的人格特質，林聲挑戰此領域，非常好玩。

以往，很多人談攝影與繪畫的異同，總是扯不清，結局莫衷一是。這次林聲的展出，將攝影的特性，做了徹底發揮，讓兩者的距離完全拉開。攝影者不必藉美術理論，就可找到自己的定位。

通常，攝影能拍的，畫家就可以畫，甚至有人畫風景、靜物，都先拍出照片再畫。但數位影像盛行後，軟體強且方便，攝影創作變得如虎添翼，某些形勢甚至已凌駕在繪畫之上。

創作，是展現內心想表達的。不論音樂、美術、雕刻、攝影、陶藝、烹飪，各有天地，但攝影與繪畫源同而混雜，一般人可以菽麥不分，專家就得細細講究。技、藝、靈、肉、拍、畫，就讓專家去傷腦筋，平常人，只要懂得玩就夠了！